L’immagine dipinta e l’immagine visiva sono due comprensioni del mondo che si elaborano in modo diverso.

Non sono mai sovrapponibili completamente perché lo scarto significativo tra ciò che appare e ciò che viene rappresentato è complesso e sfuggente. E si nasconde nel confine tra reale ed immaginario. Un confine frastagliato, che spesso deve con fatica essere ricostruito dalla coscienza durante il suo incessante lavoro di autoaffermazione.

Luigi Gargaglia è un artista che sembra procedere con i suoi dipinti lungo questo confine. Ma non in maniera programmatica, senza nessun fine d’esplorazione, perché nessuna pittura è meno “contenutistica” della sua. Anche se nessuna pittura, più della sua, rivela la possibilità d’essere delle persone e delle cose del mondo in modo più sbalorditivo.

I titoli, mi ha detto una volta questo artista, li mette sempre dopo, anzi, qualche volta non è lui a metterli, perché lascia alle persone che gli sono vicine la possibilità di comprendere ciò che la sua pittura misteriosamente rivela, certo che il loro comprendere possa divenire rivelazione anche per lui.

Per quanto lo riguarda infatti il “comprendere”, in arte, per lui, è conseguenza del rappresentare, non premessa, perché  non ritiene importante per l’operazione creativa nulla che non sia legato al fare lento del dipingere, con il quale egli  visualizza sulla tela ciò che il suo occhio ha incontrato nello spazio, attraverso la trasformazione degli oggetti  e delle persone in  figure. In modo analogo a quanto fa il pensiero, che trasforma nella  sostanza incorporea dei concetti la materia fisica dell’esistenza.

Tutta la minuziosa figurazione dei dipinti di Luigi Gargaglia è infatti realizzata in una stesura sottile, che racchiude in forme nitide e taglienti i colori del reale, depurati dall’inevitabile offuscamento delle ombre, ed esaltati in un tono che li strappa a qualsiasi naturalismo. Tanto che le presenze che abitano lo spazio della tela, nei suoi quadri, sembrano essere state trasportate in un luogo al riparo dal peso ingombrante del loro esistere nel mondo, dove possono rinascere a quell’essere del pensiero che è l’arte, divenendo appunto ”figure”.

Questa  chiarezza allucinata della pittura di Luigi Gargaglia non sottrae  però spessore esistenziale ai suoi personaggi, i quali ci si presentano, anzi, quasi sempre con i segni di una tensione psicologica molto intensa, ma mai definita a livello sentimentale. Ed è propio questa loro assenza di emozione a bloccarli in una visione metafisica, nella quale l’angoscia che manifestano è espressione del loro inconsapevole appartenere all’universale tensione dell’esistente, che si nasconde dietro il velo delle esistenze, aldilà di qualsiasi vicenda biografica particolare.

La banalità e le situazioni consuete nelle quali sono ritratti i personaggi dei quadri di Luigi contrastano infatti con la fissità dei loro sguardi attoniti. Come il realismo calligrafico che li individua contrasta con l’intensità abbagliante dei colori, nei quali si lacera il paravento della quotidiana tranquillità. Ed ogni situazione diviene così, nella sua pittura, non impossibile, ma accecante, perché illuminata da una luce trasparente e senza atmosfera, che trasfigura le immagini reali in visioni fantasmagoriche.

Ho riconosciuto nei dipinti di Luigi persone mie amiche, che mi sono apparse inspiegabilmente altre da loro, ed ho ravvisato nei ritratti intensi e precisi di  persone mai conosciute la traccia sicura di un eco misteriosamente noto.

Allo stesso modo la presenza  dell’artista, nelle effigi dei suoi molti autoritratti, non mi ha mai ricondotta alla conoscenza che avevo di questo pittore timido e silenzioso. Come se la sua  pittura me ne rivelasse un essere al di fuori della comune esistenza nella quale lo avevo incontrato. Un esistenza né futura né passata, ma altra da quella semplicemente reale.

In particolare nel suo autoritratto con il maglione azzurro questa sua esistenza si rivela all’unisono con quella degli oggetti che nel suo studio lo circondano, perché il suo sguardo intenso e vuoto ci obbliga a collocare in esso la ragion d’essere dell’apparire di quelle cose in una visione scarnificata e al tempo stesso abbagliante. Chiara e certa come il bianco della tela davanti a lui, che nel suo candore sembra aver svelato ogni mistero dell’apparenza del mondo, cancellando, con l’emanazione della sua luce, tutti i dubbi e le incertezza del procedere della vita, per farne rinascere l’unica possibile certezza nella semplice e rigorosa forma pittorica delle cose. La forma della superficie di una tela, che abbiamo sempre sotto gli occhi nello studio di un artista, che Luigi, però, in questo dipinto non guarda, ma anche quella nascosta dei telai, che, poggiati dietro di lui, ci vengono svelati. O la forma della sedia e quella delle mattonelle del pavimento che si inclina in un piano di profondità distante dalla certezza di ogni nozione prospettica. La forma del suo corpo sottile, divenuta condensazione di azzurro, e quella del suo viso che guarda fuori del dipinto. La forma cubica dello spazio del suo studio, trasparente e perfetta come il contenuto di una  contemplazione.

Tutto nell’immagine di questo autoritratto diviene forma, perfino l’illuminazione che si concentra  nel cerchio della base di un  cono luminoso, al centro del quale sta fermo il pittore. Ed anche il suo  sguardo, che si coagula nel riflesso bianco delle sue pupille, si fa forma: per  trasformare le cose viste nel mondo in pittura attraverso il filtro dell’anima.

Ecco perché di fronte a questo ed ad altri dipinti di Luigi Gargaglia noi rimaniamo quasi sempre in parte “esterni” alla visione che ci presentano. Perché la superficie dipinta dei suoi quadri è come un cristallo trasparente che separa la vita fisica da quella spirituale, tanto che il nostro essere nello spazio fisico del mondo si infrange contro la barriera di quel cristallo ideale, impedendoci qualsiasi processo di identificazione con le situazioni rappresentate. Al di qua dello spazio dipinto, noi non possiamo confondere le cose che sono in quello spazio con quelle che ci circondano. Neanche quando le riconosciamo identiche, come a volte accade nella figurazione di questo artista abile e raffinato. Per cui, sia che compaiano oggetti noti, come una televisione, i panni stesi dietro una finestra, il cassetto di un comodino, una lampada o le pieghe del lenzuolo dove è raffigurato lo scorcio perfetto di una donna seduta, sia che invece appaiano paesaggi fantastici e irreali, con piante e cieli fiabeschi, noi riconosciamo in tutto ciò la presenza di cose poste oltre il limite della quotidianità del reale. Non fantasmi provenienti da una vita trascorsa, ma figure di una dimensione presente, speculare alla nostra, ma con essa incommensurabile, perché sottratta al divenire del tempo e all’incessante usura dell’esistenza.

Certo  il carattere visionario di una simile figurazione deve essere messo in rapporto con la particolarissima formazione culturale di questo artista, che ama i testi di meditazione spirituale ed ha vissuto in luoghi distanti dalla civiltà occidentale, e ricchi di esperienza mistica e trascendente, come l’India e molti paesi dell’Africa. Perché è evidente come questo  carattere metafisico della sua pittura avvicini nei modi e nel contenuto la sua figurazione alla visione finale di un processo di meditazione.

Ma è altrettanto evidente che questa meditazione del fare pittura di Luigi Gargaglia non conduca ad un’evasione dal nostro mondo, ma allo spostarsi della forma della sua comprensione dal piano concreto a quello concettuale e spirituale.

Una comprensione nella quale non solo intelletto e anima divengono un unico filtro percettivo, ma nella quale l’apparire del nostro mondo non si modifica al cospetto di un’apparizione mistica.

Come è ben chiaro in una delle opere più intense di Luigi Gargaglia, nella quale vediamo, nell’interno di un vagone della metropolitana, in mezzo a viaggiatori sbalorditivamente comuni, apparire la figura di Cristo, che, come loro, è un viaggiatore. Non c’è stupore nei visi dei viaggiatori comuni, né segni d’estasi nel viso del Cristo. Tutti  i viaggiatori fissano lo spazio trasparente del vagone, attraversato dai mancorrenti rossi come da lame taglienti. O guardano nel buio senza riflessi del finestrino, che si apre su un nero assoluto come il nulla, senza dar segno di averlo scorto. Non c’è bisogno che vedano il nulla nel quale sono immersi per continuare il loro viaggio, come non c’è bisogno che vedano Cristo perché egli appaia accanto al vuoto della loro solitudine.

Noi lo vediamo perché crediamo d’essere fuori da quel vagone. Mentre siamo solo fuori dal quadro. E non può essere un caso che il Cristo, che è nel vagone e nel quadro, guardi noi e non gli altri viaggiatori che sono con lui, mentre un signore distinto, elegante nei suoi abiti moderni come un’antica figura manierista del Bronzino o del Parmigianino, volge verso di noi lo sguardo con fare vagamente interrogativo. Come a chiederci il perché della nostra meraviglia.

Posso tranquillamente credere che Luigi Gargaglia abbia potuto vedere Cristo in Metropolitana. E sono assolutamente convinta che, in tal caso, non se ne sia affatto meravigliato.

Non perché sia un santo, ma perché è un artista per il quale la pittura è un modo di guardare ciò che non è visibile solo con gli occhi, rendendolo visibile anche ai nostri occhi, a patto che si guardi nei suoi quadri senza cercarvi ciò che già conosciamo.

Licia Sdruscia 2014